Crítico decisivo de su generación concentrado en las derivas del cine de su país, J. Hoberman (Nueva York, 1948) se dedicó durante tres décadas a relevar el séptimo arte desde las páginas del semanario Village Voice –del que fue tristemente despedido hace pocos años– con un estilo ensayístico, erudito y de autonomía ejemplar. El esplendor de su escritura, que disecciona temáticas complejas de forma amena y que hoy sigue desplegando en medios como Tablet y Artforum, se capta con afán antológico y sistemático en Escritos sobre cine norteamericano, complemento del más actual y específicamente político El cine después del cine (Paidós, 2014).

La imprescindible compilación de Pablo Marín abarca más de medio siglo de cine estadounidense con la pluma de Hoberman como guía, y así el libro también puede leerse como una breve historia comentada.

Lejos de agotarse en directores canónicos de Hollywood como Orson Welles, Douglas Sirk y Alfred Hitchcock (a los que dedica el breve pero contundente “El pop antes del pop”) o los movie brats Steven Spielberg y George Lucas (el ataque blasfemo a Star Wars es hilarante), Escritos sobre cine norteamericano abre a las múltiples preocupaciones del crítico, entre ellas los lazos entre vanguardia y pop, arte y realidad, técnica y contenido.

Hoberman puede saltar de la apasionante disección del imperio y legado de Walt Disney –a quien responsabiliza junto con Lucas del cine de parque temático afecto a la nostalgia y el merchandising – a explorar la tendencia subterránea del cine en Súper 8 o los filmes rupturistas de Jack Smith, Stan Brakhage y Andy Warhol, con los que Hoberman se inició en la década de 1960.

Más aún, la lectura hobermaniana no se agota en el cine y se abre a menudo a referencias inesperadas pero precisas de cultura visual en sentido amplio que incluyen la pintura, la historieta o el videoclip.

Hoberman inventa así los géneros “modernismo vulgar” y “sensacionalismo abstracto”: el primero señala fenómenos formalistas y autoconscientes camuflados en la cultura popular, como las lejanas y visionarias animaciones de Tex Avery, las películas de Frank Tashlin y la revista Mad. El segundo traza una línea que enhebra los filmes de Samuel Fuller, las tiras de Chester Gould (Dick Tracy) y las fotografías periodísticas de Weegee, en las que late la dura sensibilidad de época.

Los retratos de los críticos Manny Farber y Siegfried Kracauer, el análisis sobre la caída del western y el ascenso del apocalipsis como relato nacional y los efectos del auge digital son otros ejes de un libro que antes que a un país apunta a un continente, el de la escritura sobre cine y sus posibilidades.